TATIANA GORGIEVSKI
PB PROJECT: UN CORPS QUI TIENT

Tatiana Gorgievski a d’abord mené des études de philosophie très poussées, jusqu’à devenir spécialiste de phénoménologie et de la pensée esthétique d’Emmanuel Kant, avant de se consacrer à la pratique picturale. Pour autant, sa peinture n’a absolument rien de théorique : elle est avant tout le lieu d’un corps à corps intense, un territoire énergétique où la pensée rationnelle abdique devant la sensation.

Réalisées à l’huile, les toiles présentent des silhouettes que l’artiste fait surgir sans aucun travail préparatoire, dans la jouissance de l’instant et l’imprévisibilité inconsciente du geste. La grande toile intitulée The skin I don’t have (2025) confronte littéralement le regard à un agencement de corps fragmentés et fondus les uns dans les autres. Au moyen d’une palette vive et acidulée où se côtoient du vert-turquoise, un violet-lilas quasi fluorescent, ou encore un lumineux rose-chair, un éclatement semble se produire. L’œil expérimente un espace de sensation pure, et la rétine se déplace par réflexe, cherchant inlassablement un appui. Si une forme de violence nous saute au visage — une violence viscérale, pulsionnelle, certainement sexuelle — il n’y a pas ici de signification directe à décoder, de représentation à interpréter. La technique, par effacements successifs, couche après couche, cultive un art du flou et de la fluidité, pour donner accès à l’indécidable et à l’informe : les larges trainées magenta sont des coups portés, chargés de mouvements défensifs, mais la scène gardera sa part de secret. La peinture cultive donc une vie propre par-delà le langage admis, et la vérité qui en découle se passe de mots. Et c’est ici que j’en viens à penser à Marlène Dumas, pour la manière dont elle peint les terreurs et les outrages, toujours par glissements et avec une sorte de force contenue ; ou encore à Myriam Cahn, pour ses corps tiraillés et traversés d’intensités, comme irradiés.

GOLNAZ PAYANI
À EFFLEURER, SE ROMPRE

Ces mots lapidaires tirés d’un poème de l’artiste Golnaz Payani résonnent dans le vide – celui d’un corps troué – à la manière d’un cri aphone¹. Ils semblent tirer leur valeur poétique (leur pouvoir d’interpellation) d’un sentiment trouble et indicible : sont-ils prononcés depuis l’intérieur ou l’extérieur du corps ? Un corps qui se parle à lui-même ou qui parle à son autre ? Est-ce le dégoût ou la stupéfaction qui domine face à une telle mise à nu, voire dissection ? Autant de questions se posant fidèlement au doute craintif qui se lit sur les visages des étudiants du tableau de Rembrandt, La Leçon d’anatomie du docteur Tulp (1632). Un tableau à nul autre pareil dans l’histoire de l’art occidental pour penser les rapports entre visible et invisible, beauté et laideur, mais aussi entre voir et savoir ; à l’épreuve du corps humain se donnant comme frontière obscène, limite entre le dedans et le dehors. Il n’en reste pas moins que les mots-lambeaux de ce poème-exergue signifient un tournant majeur dans le parcours de Golnaz Payani, qu’elle localise elle-même Après la peau – du titre de son exposition précédente à la chapelle Jeanne d’Arc de Thouars. Elle qui s’est faite connaître ces dix dernières années à travers des gestes d’une grande minutie, frisant une sorte d’autisme poétique ou de folie créatrice – dessiner avec des gouttes d’eau, sculpter avec des fils de laine, filmer des plis remodelés par le vent – est passée ces deux dernières années de l’espace du cocon à celui de la dépouille.